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A estas alturas, lo mejor que se puede esperar de una banda como Nada Surf es que mantengan el nivel del disco anterior. Lo suyo son las canciones redondas y con gancho, nada tan fácil y a la vez tan difícil. Con ‘The Stars are Indiffent to Astronomy’ han vuelto a dar muy cerca del centro de la diana.

Cuando una banda te responde, antes de que se lo preguntes, a la cuestión más delicada que llevabas preparada, te puedes hacer cierta idea de que no te están vendiendo la moto. Nada Surf llevan 15 años haciendo, con ligeras variaciones, el mismo disco, sin preocuparse demasiado por los que les consideraron una banda de un solo éxito. Lo mismo que Fountains of Wayne. Igual que Teenage Fanclub o Gigolo Aunts. Su objetivo, si es que lo hay más allá de hacer lo que les gusta, es componer buenas canciones. Y vaya si lo hacen. Como churros. Matthew Caws (voz y guitarra) no sueña con comprarse un castillo. Ha encontrado el suyo y se siente como una verdadera rock star, a su manera. “Este año, los chicos de They Might Be Giants, que son vecinos y amigos, se han mudado a Manhattan y me han dejado su estudio en Brooklyn. Para los precios de Nueva York es realmente barato, la casera no quería ni modificar el alquiler si se trasladaba alguien que siguiera haciendo música. Por fin tengo una oficina con comida, música y libros, así que no me cuesta nada ponerme a componer porque no tengo nada de lo que preocuparme, está todo en el mismo sitio. Los músicos sueñan, medio en broma, con comprarse un castillo, pero yo ya he encontrado el mío y la verdad es que esa tranquilidad se refleja a lo largo de este último disco. Necesitábamos que las cosas volvieran a ser fáciles otra vez”. Han pasado cuatro años desde la publicación de “If I Had a Hi-Fi”, un exuberante e irónico disco que no levantó las sospechas típicas de un grupo que hace un álbum de versiones. (Daniel Lorca) “Necesitábamos tomarnos un poco de tiempo. No queríamos ponernos a componer el siguiente disco pero tampoco queríamos quedarnos sin hacer nada y la verdad es que nos dio mucha caña. Lo bueno fue que aunque había pasado bastante tiempo desde que habíamos hecho las canciones de “The Stars Are Indifferent To Astronomy”, como no habíamos parado, estábamos en plena forma. Matthew, como compositores se dio cuenta de que a veces te pasas escribiendo dos o tres canciones y las escribes una y otra vez”. A veces puede llegar a ser más complicado cambiar lo que en principio parece menos complicado. Las canciones de Nada Surf no son, ni de lejos, sencillas y tampoco son una banda que se da por satisfecha con lo primero que componen. (Matthew) “No intentamos hacer nada nuevo, ya es bastante complicado hacer canciones con tres acordes y que sean diferentes. Me di cuenta de que casi siempre hago la misma canción, supongo que porque compongo de manera muy improvisada pero trabajo mucho los arreglos, así que esta vez intenté mirar más hacia fuera, algo como darle la vuelta al objetivo con el que miro las cosas. Lo único que teníamos claro es que queríamos hacer algo que se pareciera más al directo: más fuerte y más rápido. Más parecido a cómo somos cuando no nos planteamos que tenemos que hacer algo melancólico o elegante”. La logística también ha sido una parte importante en el nuevo trabajo. Por primera vez desde el primer disco, han grabado en su ciudad, Nueva York. (Daniel) “Normalmente desde que has ensayado la última vez hasta que te pones a grabar, por lo menos ha pasado una semana. La memoria del músculo la pierdes. Esta vez ni siquiera hemos tenido que comprobar el tempo de las canciones, porque las habíamos ensayado el día anterior. Así nos ha salido algo con más energía. Ira (batería) es un bestia en el escenario, pero si yo pienso que quiero algo más delicado porque en el estudio las canciones no están terminadas, estoy haciéndole tocar a medio gas. Para ser un poco más justos con él esta vez, hemos hecho como con el primer disco; tenerlo todo listo desde el principio. Las pistas básicas las hicimos en cinco días al lado de casa y luego el disco lo terminamos también en mi casa de Williamsburg. Hemos tenido ese lujo de no tener presión o de ponerse a hacer un arreglo y que sean 200 dólares más de estudio”. Les ha salido un disco más optimista e igual de brillante. Con los mismos ganchos y la misma potencia melódica que en ocasiones anteriores. Esto es power pop, lo que ves es lo que hay, pero hay que hacerlo. Chris Shaw ha sido en esta ocasión el encargado de manejar los mandos en el estudio. (Daniel) “Cuando hablamos con él, la oferta era para ser el ingeniero de sonido, pero no ha podido evitar ir involucrándose cada vez más hasta que hemos llegado a coproducir el disco con él. Por primera vez, hemos tenido un productor que tocaba la guitarra mejor que Matthew, y eso es muy importante. Estás haciendo algo muy íntimo delante de una persona ajena al grupo, y necesitas tener mucha confianza con él. Es algo como medio manager, medio novia”.

Dando vueltas por la habitación de su hotel a media tarde, antes de actuar en Madrid, Pierre Mathieu  y Greg Kozo explican lo complicado que es a veces no quedarse dormido si empiezas a pinchar a las tres de la mañana, y lo poco que le importa a tu hijo que vuelvas cansado después de haber actuado en tres países diferentes a lo largo de un fin de semana. Cosas así fueron las que tenían en mente cuando grabaron el videoclip de “Kill Me”. ¿Qué harías si sólo te quedaran 8 días de vida?¿Gastarías todo tu dinero para disfrutar de la vida por última vez? La fama de provocadores no sólo tiene que ver con el vídeo de  “Baby, Baby, Baby”, en el que varias chicas paseaban desnudas por la calle ante la incrédula mirada de los viandantes. Se la han ganado en los clubs de medio mundo dando conciertos en los que el público se vuelve loco. Ése es el objetivo: hacer que las chicas bailen. A lo largo de generaciones, esto es un axioma irrefutable. Si ellas bailan, todo funciona en una fiesta. (Pierre) “Lo único que nos interesa cuando nos subimos a un escenario es establecer un tipo de comunicación con el público, así que empezamos muy fuerte. Si esto funciona, nos volvemos más y más salvajes. Nosotros no somos el tipo de Dj que se queda parado como si estuviera concentrado en hacer algo muy interesante. Estás allí para que la gente baile, así que de alguna manera tienes que transmitirlo. Saltamos, usamos el micrófono y actuamos como una banda. Es una fiesta y eso es lo que la gente espera de nosotros”. A lo largo de la concentración, desmontan con tranquilidad muchos de los tópicos de las más o menos pequeñas estrellas de la electrónica. Hablan sin problemas sobre drogas, lo difícil que les resulta hacer remixes de otros artistas y el absurdo de intelectualizar la música de baile. (Pierre) “Entiendo que haya gente que pueda plantearse que la electrónica no tiene ‘alma’, de hecho no creo que la tenga, al menos no tanto como la puede tener el folk, por poner un ejemplo, que es algo más artístico. Para mí, la electrónica tiene que ser algo divertido. No es emocional, sino todo lo contrario. Es bastante animal más que algo intelectual; ¡se trata de bailar! He escuchado a muchos músicos tratando de intelectualizarla, y muy a menudo fracasan. La única manera de disfrutarla es dejarte llevar por ella y sentirla, no tiene que hacerte pensar”. “Everything Is Gonna Be OK In The End”, su álbum debut publicado por Roy Music, no es un trabajo escueto. En 15 temas, con muchas colaboraciones en las voces, dan rienda suelta a una faceta más calmada. El electro pop convive (a veces –pocas- de manera un poco brusca) con los beats sin freno. Las canciones con gancho, pegadizas como ellas solas, siguen siendo la marca de la casa. Cada uno de ellos viene de un sitio diferente. Mientras que Pierre se ha labrado una buena reputación como DJ, Greg es el que acerca al dúo de productores a los instrumentos reales. De ahí viene, explican, esos ramalazos pop del disco. (Greg) “Yo nunca he pinchado, y creo que es algo que se nota en la música que hacemos. Empecé a tocar cuando tenía 15 años, mi abuelo era batería en un grupo de jazz, y casi me vi obligado a tocar la guitarra aunque me gustaban más el bajo y el contrabajo, que al final fue lo que terminé estudiando. A los 19 comencé a trabajar con cajas de ritmos, porque escuchaba cosas como Cinematic Orchestra. Me parece que es importante para nosotros a la hora de presentarnos en directo, porque cada uno tiene su especialidad. Pierre está en la mesa de mezclas y yo en el ordenador y los samplers. En el estudio trabajamos muy despacio. Ya es bastante complicado cuando tienes dos opiniones, y no quiero ni pensar como sería si fuéramos un grupo. Yo toco líneas de bajo hasta que tenemos un riff y hasta que no estamos convencido con él, no empezamos. Me gusta la música complicada, después Pierre se encarga de simplificarla.. Las mezclas han corrido a cargo de Antoine Gaillet y Vicarious Bliss, que han sabido encontrar el punto medio entre la potencia del beat ‘gordo’ y los temas más melódicos. Los remixes, vendrán ahora que el disco está en las tiendas. Ellos, por su parte, no están por la labor de remezclar demasiado el trabajo de otros. (Pierre)  “Conocemos a gente con mucho talento, pero queremos que todos nuestros remixes están hechos por amigos. Me parece que hay demasiados músicos que dicen que remezclan, y la verdad es que no me parece algo fácil. Cuando nos hacen uno, suelen pedirnos que lo hagamos nosotros con sus canciones, es como Twitter. Somos muy lentos y sinceramente, tampoco somos demasiado buenos en ello. Al principio tratábamos de recrear la canción original hasta que nos dimos cuanta de que era un error. La realidad es que aunque el remix sea malo, accedes a una audiencia mayor, así que creo que es conveniente hacerlos pero prefiero dejarlo para los que saben hacerlo, que son muchos”.

Que The Right Ons son una de las mejores bandas que se pueden ver sobre un escenario en este momento, nacionales o no, es algo casi incontestable. Te gusten o no. Te caigan mejor o peor. Su directo no es fantasía. No es (solamente) comunión con el público. Es rock. Sólo rock. Pero del bueno. Nunca han escondido sus influencias, ahora tampoco, ni falta que hace. De los Faces a Sly & The Family Stone. De Marvin Gaye a MC5, las costuras están a al vista y son parte del disfraz. Es esta quizás una de las razones por las que la crítica que abusa de la palabra “seminal” no les toma demasiado en serio, pero ¿qué diferencia hay si cada vez que se suben a un escenario terminan convenciendo hasta a los más escépticos? Sentados en círculo en las oficinas de su discográfica en Madrid, se les ve relajados. No ha sido fácil. El éxito de sus larguísimas giras casi termina con ellos. (Álvaro) “Llevábamos dos años haciendo conciertos sin parar, necesitábamos descansar incluso de nosotros mismos y buscar el camino de nuevo. Ha sido largo y tedioso, con luz y oscuridad. También tenemos la suerte de ser amigos, porque con este nivel de estrés y trabajo no nos hubiéramos aguantado. Por ejemplo, cuando estábamos en el camino de San Luís a Austin se podía haber terminado perfectamente el grupo, pero nos conocemos y cada uno sabe cómo aguantar al otro. Todo eso creo que se refleja después en el local a la hora de componer”. Del trabajo, y de los momentos duros, suelen salir buenas canciones. Las hay en ‘Get Out’, a pesar de ser un álbum de minutaje escaso. Como un buen polvo. Como una buena puesta de sol. Como un buen atraco. Rápido y limpio, el disco discurre feroz, guitarrero (mucho) y conciso. Siete canciones y todas las cartas sobre la mesa. (Ramiro) “En el fondo no es tan corto, por duración es un disco normal. No teníamos la presión de sacar un número determinado de temas. Nos apetecía sacar las canciones que realmente nos convencían y eran estas siete que reflejan el proceso por el que hemos pasado y con el que estamos contentos los cinco. Muchas veces tiras de canciones que te convencen menos y que rellenan, pero no queríamos hacer eso”. El corazón sigue siendo igual de negro, pero el funk y el soul dan paso a detalles de psicodelia que son un paso adelante sin perder el ritmo. También están un poco hartos de etiquetas; lo suyo es el rock y es un concepto suficientemente amplio como para que las discusiones sobre la pureza o no del término sean eternas. Para quitarle los prejuicios al que está debajo del escenario, primero tienen que salir de uno mismo. (Álvaro) “Más que psicodelia hay ambientes, puede que antes lo pasáramos un poco por encima y en este disco nos apetecía dar un poco de humo de vez en cuando. A mí me parece negro porque tiene oscuridad, pero dentro de ella hay mucha luz. Puede que sea más sólido, pero nosotros siempre hemos sido una banda de rock aunque se haya dicho que tirábamos hacia el soul o el funk. Lo que hemos mamamdo es el rock, que es un término muy amplio. Ritmos más sencillo, más directo y menos vueltas. Tampoco buscábamos simplificar las cosas difíciles, pero en el primer disco intentas vomitar todo lo que tienes, en este igual hemos podido reflexionar un poco más. Igual no es tan divertido como el primer disco, pero es lo que nos apetecía hacer”. ‘Purple Neon Lights’, el single de presentación, ya dejaba claro por donde iban los tiros. Guitarras saturadas, rock setentero, un sonido más crudo y algunos detalles de sintetizadores bastante interesantes. ‘On the Radio’, la ácida ‘Long Road’ o ‘I Do What I Want’ son algunas de las balas que carga un cañón a veces imperfecto al que han llamado ‘Get Out’. La técnica la tienen más que superada, sólo les importa encontrar el alma. (Ramiro) “A veces jugamos a hacer dos o tres tomas y nos quedamos con la que más nos gusta aunque tenga algún fallo. Te das cuenta tú solo, a la sexta toma suena todo tan cuadrado que no nos gusta. Siempre hemos tenido happy accidents, errores que luego funcionan en el disco. A veces una canción cambia completamente porque te has equivocado al tocar”. Utah, bajista, dice pocas cosas a lo largo de la entrevista, pero muy concisas. Ideales para poner el punto y final a una interesante charla y marcharte con la sensación de que no son otro grupo que te quiere vender la moto. “En tu cabeza tienes la canción tan predefinida que si te equivocas en una nota lo quieres arreglar y piensas que ha sido una toma malísima, pero luego los demás dicen que les gusta y tú eres el primer sorprendido”.

Desde el jergón, o la grada del Palacio de los Deportes de Madrid, todo se ve de otra manera. El rock de estadios (o de pabellones) es algo que poco tiene que ver con un concierto; es un espectáculo, y como tal hay que medirlo. Alrededor de 8.000 personas y casi 6 horas de música en directo son unas cifras que no esán nada mal para las fechas navideñas. Abrieron la noche The Noises, con tan sólo 20 minutos de actuación. Rápidos y eléctricos, dieron paso a Second. Sonaron limpios, aunque su propuesta sigue siendo algo demasiado blando para los estándares del indie nacional. Christina Rosenvinge, poco acostumbrada a escenarios de semejante tamaño, no empalizó demasiado con un público que no estaba por la labor. Ella tampo, en honor a la verdad. Los brillantes temas de La Joven Dolores sonaron desganados. Reinterpretó temas de Los Subterráneos –de manera interesante aunque con escaso éxito- como “Alguien que cuide de mí” o “Tú por mí”.

A mitad del festival, las cosas no estaban demasiado fáciles para Iván Ferreiro. Su propuesta es sencilla, pero efectiva, y sabe tirar de oficio. Intenso en temas como “Mi Munchausen” o “El equilibrio es imposible” junto a Santi Balmes, resolvió con eficacia a pesar del mal sonido y lo monocorde de su voz. El gallego es un músico que sabe transformar sus carencias en virtudes, y sus canciones sonaron muy diferentes a su trabajo en estudio. Tres temas de Los Piratas y una buena elección de los temas de su repertorio en solitario, sellaron una actuación que si bien no fue memorable, dejó claro que se encuentra en un buen momento. Love of Lesbian no tuvieron uno de sus mejores días. Tal vez fuera el recinto, demasiado grande para un proyecto cercano, o que no tuvieran el día, pero han tenido noches infinitamente mejores. Comenzaron con “Club de fans de John Boy”, Santi Balmes bajó a cantar entre el público en “Algunas plantas” y le vinieron grandes algunos tics de rock de estadios. “Noches reversibles” sonó como en sus mejores momentos, cantaron con Ferreiro en “1999” y tuvieron su mejor momento al final, tocando en acústico “Allí donde solíamos gritar”. Tras los catalanes, saltaban al enorme escenario Amaral. Lo suyo está en otro nivel, aunque los temas “Hacia lo salvaje” fueron recibidos con cierta frialdad. Se empeñaron en tocar el disco entero, y lo hicieron. Tal vez fuera un exceso, pero hay que reconocer el valor de que un grupo de sus dimensiones se permita el lujo de hacer lo que les dé la gana. El sonido era excelente, la banda más que competente, la voz de Eva espectacular pero… algo faltó. Comenzaron con “En sólo un segundo” y fueron creciendo en intensidad hasta terminar ya con la luces del Palacio encendidas. “Como un martillo en la pared”, con unas guitarras muy Smiths, fue un momento álgido en una actuación enérgica en la que hubo espacio para temas más sosegados como “Olvido” o “Sin ti no soy nada”. Una marea de móviles, en lugar de puños en alto, acompañaba a “Revolución”. Tal vez los tiempos estén cambiando. O tal vez vez no. Fue raro.

Mientras tenga público que le ría las gracias, Antonio Luque seguirá dándole cuartelillo a su verborrea de andaluz que no va de gracioso. El artista que no concede entrevistas a medios mediocres, el que quiere convertirse en un producto cultural, hace tiempo que dejó de dar conciertos desastrosos. Los da brillantes, y la verdad es que sus comentarios entre canción y canción tienen guasa. En cantidad.

Abrieron la noche Maga presentando su nuevo trabajo, dándole poco cuartelillo a sus temas más conocidos. Los sevillanos, solventes, como siempre, sonaron más potentes de lo normal. La distorsión, como el negro, les favorece. Luque lo tenía fácil. Su público cada vez es más numeroso y aunque las canciones de Presidente compitan en condiciones de inferioridad frente al resto de su repertorio –al menos entre los fans más acérrimos- lo compensa con una técnica vocal, una presencia sobre el escenario cada vez más imponente y un repertorio muy bien elegido. Ha cambiado de guitarra –ahora lleva una Gibson SG- y la potencia del instrumento le viene de maravilla. Muy hablador, terminó el concierto junto a Maga interpretando una estupenda “Los Ángeles”. Por el camino, pequeños clásicos del costumbrismo contemporáneo, ese que maneja como nadie, como “Tímidos”, “Esplendor en la Hierba” o “María de las Nieves”.

Seguir por el camino marcado por ‘El Incendio’ era una opción. Hubiera sido fácil. Buenas canciones, un buen directo y un número considerable de fans dispuestos a recibir otra pequeña colección de himnos pop. Cambiar (no tanto como parece) el sonido, volver a la psicodelia (más bien darle un poquito de brillo a algo que siempre ha estado ahí) y jugársela (con red, propia, pero red) también era una opción. Abandonar la seguridad de una carrera cimentada sobre 5 discos y muchos buenos conciertos para cruzar el puente hacia los árboles de mandarinas y los cielos de mermelada ha merecido la pena: suenan renovados y con ganas de (más) fiesta. El disco crece con las escuchas, aunque es cierto que la primera vez deja con una sensación un poco rara. Con el tiempo, es fácil asumir que no es un trabajo tan diferente. De una u otra manera, todo estaba allí antes. El equilibrio entre el subidón inmediato y le elegancia surrealista de canciones como ‘Negroni’ o ‘No Mires Atrás’. Los ecos de Harrison, los aires a Love, el tributo a los años lisérgicos de Carnaby Street y la influencia (más que evidente, aunque no lo planteo como un problema) de Ray Davies y sus Kinks. El nexo con discos anteriores son las melodías saturadas de luz, las letras canallas cada vez más enrevesadas y las estribillos demoledores como los de ‘A Mil Años Luz’, ‘Alma de Goma’, ‘Tormenta de Verano’ o ‘Perros’. Cualquiera de ellas hubiera sido mejor single que ‘El Bosque’. Una portada diferente tampoco le hubiera venido mal. Aún así, si un grupo no puede hacer lo que le venga en gana con su propio trabajo a pesar de estar en ese limbo en el que la comercialidad siempre es un cuchillo cercano a sus espaldas, ¿a qué llamaríamos independencia? ¿A no vivir dignamente de tu trabajo por delicados conflictos morales? Lo mismo no.

Es complicado que Tiger and Milk sea un grupo que alguna vez esté de moda. Demasiados detalles y demasiado poco tiempo como para perderlo en algo que no sea hacer canciones bonitas. Algunas, incluso bastante. Como la mayoría de las cosas que merecen la pena, la banda surgió del desastre. (Nacho) “Empezó hace muchos años en Salamanca, porque Milk (Iago) y yo nos conocemos de la facultad. Nos liaron para hacer un concierto de versiones malísimo, y ese mismo día desaparecimos. Diez años después yo tenía un montón de canciones metidas en un cajón. Le pedí ayuda a Milk y nos pusimos a hacer esto ampliando el grupo, porque el formato que teníamos era muy poco fiable”. Bajo una apariencia apacible y muy sencilla, las canciones de Tiger and Milk están muy lejos de ser simples temas de tres acordes aderezados con algún que otro arreglo. Sus estructuras son, cuando menos, tan particulares como el patio de cualquier casa. “No es que sea arrítmico o anárquico, es que me cuesta ceñirme a un tipo de ritmo o a una claqueta por eso a veces hago unos cambios que parecen no venir a cuento. Cuando cantas canciones que cuentas algo, tienes que enfatizarlas de alguna manera”. Cotidianas podría ser la mejor palabra para contar de qué van sus letras. Volvemos a los detalles. “Normalmente son historias normales y corrientes, probablemente casi todas hablan de amor y de aspectos de las relaciones personales en las que la gente no se para a pensar pero que luego son importantes. Por ejemplo, si tú te enamoras de una chica que es de extrema izquierda, o te encuentras con una persona con la que has compartido un montón de años en tu vida y no sabes qué decirle. No utilizo frases que no use en mi vida normal, porque sonaría artificial”. Renuncian, por voluntad propia, a vender discos. Tan firmes defensores de la descarga gratuita como del preciosismo instrumental, son muy críticos con la existencia de una supuesta “escena” en Madrid que ha vuelto a poner de moda el ruido. (Jorge) “Antes los grupos raros eran los que hacían ruido, ahora es al revés. Si escuchas a la mayoría de las bandas que puedan estar haciendo algo similar, como concepto, todos hacen ruido. Como estamos mal sonorizados, nos subimos todos y ya está. Creo que no tiene por qué ser así”.

En la línea de…

Belle and Sebastian
Tal vez la referencia más evidente, de la banda escocesa toman su nombre, y el amor por las melodías delicadas, lo cotidiano y la íntima majestuosidad. Agridulces, comparten con ellos el espíritu pop y el gusto por las historias cortas y la trascendencia de los días normales.

The Softies
La electricidad está mucho más presente que en el dúo americano, pero el concepto es el mismo. Canciones azucaradas, con el suficiente veneno para no hacer daño pero sí para que se note su presencia. Temas sencillos y de estructuras complicadas, menos inocentes de lo que parecen a primera vista.

La Buena Vida
Sin complicaciones. También sin vergüenza de reconocer que no hay nada más bonito que una canción pop sobre tardes de café y lluvia, comparten con los donostiarras el placer de disfrutar de las melodías lánguidas, los rayos de sol tapados por las nubes y la tristeza de un día normal.

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¿Noel o Liam? ¿A quién quieres más, a papá o mamá? No hay respuesta. Aunque Beady Eye hayan firmado un disco continuista con el legado de Oasis, Noel Gallegher tampoco se ha quedado corto. Si acaso, de singles potenciales. Los dos recuperan lo mejor y parte de lo mediocre –aunque afortunadamente casi no hay menciones a lo peor, que lo hubo- de la banda de Manchester. Llenazo en La Riviera. Lo que no han conseguido ni la religión ni la política lo han hecho el pop cristalino y la cerveza; unir a británicos y españoles en un objetivo común: escuchar Wonderwall de manos de su autor. No nos engañemos, a eso habíamos ido todos y es lo que esperábamos cuando, sin poder distinguir si estabas en un partido de fútbol o en un concierto, el mayor de los Gallagher saltaba sobre el escenario a las nueve de la noche. La primera en la frente; It´s good to be free y también la última, una muy emotiva Don´t look back in anger. Entre medias, algo más de una hora de sonido pastoso –la batería tapaba, ya no los detalles, sino casi todo el sonido de las guitarras hasta prácticamente el final de la actuación-, buenos y casi intrascendentes temas de su primer álbum en solitario y un buen puñado de caras B de Oasis que hicieron que el entusiasmo se mantuviera en niveles estables hasta el final. Un breve intermedio acústico poco después de la media hora (Wonderwall y Supersonic) fue suficiente para desatar un delirio contenido que sólo flaqueó con alguno de los nuevos temas. Enérgico, seguro sobre las tablas y casi sin moverse, contó con el apoyo de una banda solvente y casi invisible. Las resultonas Soldier Boys and Jesus Freas y AKA… Broken Arrow daban paso a The Importance of being idle y Don´t look back in anger, dos temas con los que dejar tranquilo al gusanillo de la nostalgia. Por ambas partes.

Noel Gallagher no es un asteroide fugaz en el firmamento del rock contemporáneo. En absoluto. El hombre ha conseguido que su marca favorita de té le envíe unas cajas especialmente personalizadas para él y sus músicos que, probablemente, degustarán con flema británica y unas pastitas en la gira de presentación de su nuevo y primer trabajo en solitario, “Noel Gallaghers´s High Flying Birds”. Esas cosas sólo le pasan a las estrellas del rock. A esas que disfrutan de una vida fácil –aunque no vayan a creerse que mantener un grupo es cosa sencilla- de sexo con supermodelos, mucha droga y más rock and roll; y que se permiten el lujo de dejarlo por aburrido. Las noches blancas y los días negros han terminado. Noel se ha cansado de ser un ídolo devorado por la prensa -e incluso por sus fans- y de las peleas con su hermano Liam. En los 90 formó parte de la ¿banda más grande del planeta? y pero a día de hoy prefiere quedarse en casa con su familia. Lo que no ha cambiado es su facilidad para componer canciones atemporales. Clásicos. Temazos, en menor proporción que en años anteriores, pero canciones tan grandes como su ego. Si la reencarnación fuera una actividad que pudiera comprarse, tendría varios candidatos para reinterpretar con su imposible acento de Manchester a Ray Davies, George Harrison o John Lennon. Puestos a elegir, me pone usted a tres de los mejores, no vamos a andarnos con tonterías. Al teléfono desde las oficinas de su propia discográfica en Londres, la misma con la que ha editado el disco, no tiene problema en ofrecer el silencio por respuesta cuando una pregunta requiere una conexión neuronal mayor a un par de segundos, o cuando simplemente no le interesa. Sin problema, pero no te quedes callado, que es conferencia. Educado, pero dejando las cosas claras, asegura que nunca tuvo intención de retirarse, aunque hubiera sido una opción a tener en cuenta, tras la separación de Oasis en 2009. “Simplemente me dediqué a hacer mis cosas. Disfruto mucho de la vida doméstica. Estar de gira suele ser genial, pero a veces es un coñazo. Cuando me voy, mi familia se queda en casa. Los niños van al colegio, mi mujer ve la tele… Éso es la vida. No voy a dejar de escribir canciones sólo porque no tenga un grupo, Compongo todos los días que me apetece aunque no tengo ni idea de dónde salen las canciones y a veces necesito tomarme mi tiempo para terminarlas. Cojo la guitarra y algo sucede, suelen salir ellas solas y tener estribillos enormes. Me gusta que las cosas suenen grandes”. Que Liam se haya quedado con el resto de la banda para su nuevo grupo, Beady Eye, le molesta, pero en el fondo, le da un poco igual. Independientemente de quién toque los instrumentos, ambos ofrecen una versión bastande decente de Oasis. Lo mismo piensa sobre lo que opine la prensa o cualquiera sobre composiciones, aunque nunca olvida dar las gracias. “A todo el mundo le gustan mis canciones. He estado en una banda enorme durante 20 años, así que por algo será. No me gusta pensar en por qué le gustan a la gente. No sé que coño piensan ni por qué creen que soy grande. Lo único que se me ocurre es darles las gracias porque realmente no sé que decir en esos momentos. Lo mismo pasa con los periodistas. Parecen más interesados en hablar sobre mi vida privada que sobre mi música. Dicen que es porque a la gente le gusta, y debe ser así porque si no nadie se gastaría su dinero en comprar una revista. Dímelo tú, ¿por qué es así? Me importa una mierda, la verdad. Yo no analizo mis actos porque soy el que los hace, en realidad no analizo nada”. Encajo el directo lo mejor que puedo, y sigo con la conversación. Hemos venido a hablar de tu disco, pues hagámoslo. “Noel Gallagher´s High Flying Birds se grabó entre 2010 y 2010 entre Londres y Los Ángeles, producido por él mismo junto a Dave Sardy, con el que ya había trabajado en Don´t Believe the Truth (2005) y Dig Out your Soul, editado en 2008. La principal diferencia es que ahora Noel se encarga de cantar, el resto  (tampoco pone demasiado énfasis en negarlo) podría haber sido parte de cualquier disco de Oasis. De hecho, tanto los temas de Beady Eye como los de Noel, son mejores que casi cualquiera de los dos últimos trabajaos de la banda de Manchester. ¿Es esto malo? No en si mismo. Si hablaramos de fútbol, Liam ha optado por jugar al pelotazo y Noel por algo más técnico. Como el Barça de la era Guardiola, con compás y sentimiento. Él componía gran parte de los temas en su banda anterior, así que poco cambia. Le han acusado de guardarse los mejores temas escritos en los últimos años para si mismo, pero al negarlo, parece sincero. “Si me hubieran dejado componer todas las canciones, alguno de nuestros discos hubiera sido mejor. En un grupo tienes que ser flexible, si no, tocarías solo como estoy haciendo yo ahora. Estoy cómodo cantando, sé que no soy un cantante espectacular, pero tampoco toco la guitarra de maravilla. Simplemente lo hago y no pienso en esas tonterías cuando lo estoy haciendo. He leído que la voz está un poco baja en el disco porque no me siento seguro, pero eso no es más que mierda. Si te gusta, estupendo. Yo creo que no, me igual lo que piensen. Para escribir canciones sólo necesito un boli, no tengo ni puta idea de cómo se hace”. Dos de las nuevas canciones ya formaban parte del repertorio más o menos apócrifo de Oasis desde aproximadamente una década, y se habían podido escuchar en pruebas de sonido que circulaban por internet. “Stop the Clocks”, un tema que iba a aperecer en Don´t Believe the Truth (2006), es uno de ellos. Los tiempos cambian, pero Noel prefiera que algunas cosas sigan siendo las mismas. “No me he molestado ni en cambiar de oficina, la sigo compartiendo con mi hermano. Han estado liados con la promoción de su disco y ahora lo están con el mío. Llevo trabajando muchos años con esta gente, les quiero y yo sé que ellos me quieren a mí. La única cosa que me apetecía cambiar era tener mi propio sello. Me preguntaban que por qué, si viviámos como reyes en una multinacional, pero siempre respondía que por qué no. De alguna manera es un sueño para cualquier músico, y la diferencia es que ahora puedo hacer cualquier cosa que se me ocurra. Yo hago mis discos para mí, no para nadie más, y teniendo en cuenta que que he tenido éxito durante los pasados 20 años, he llegado al punto de que puedo permitirme hacer lo que me dé la gana. De todas maneras, lo que más me gusta es tener mi propio estudio”. Ha hecho un buen trabajo en las letras, pero no tiene demasiado interés en hablar de ellas. Tampoco del resto del disco. Te he concedido tus veinte minutos de fama y no debe diferenciar entre un meet & greet y una entrevista. “Aproximadamente entre 2005 y 2005 no tuve demasiado sobre lo que escribir. Sólo las hago buenas cuando son sinceras, y en general suele ser cuando lo que me rodea no está bien. Algunas letras de este disco hablan sobre escapar a otro sitio, pero al final, en Stop the Clocks, es como si volviera al principio. Las escribí en el estudio, no estaban preparadas antes. Al verlas en conjunto, me parecen algo muy visual, es como estar viendo una película”. Poco ha cambiado. No hay demasiado que decir sobre algo que para él es incontestable. Ha grabado un buen disco y lo sabe. “Los cambios están bien cuando eres joven, después son una mierda. Es algo parecido a dar un concierto en un estadio. Disfruto del espectácúlo y de la parte emocional, pero no sabes ni lo que estás tocando y es muy cansado”.

Por sus 15 años en activo y por pasar olímpicamente del glamour de una “escena” que no está del todo claro si existe, Niños Mutantes se merecen estar en la primera división del indie nacional. Año y medio después de su último trabajo, cerraban gira en Madrid. Aunque “Animales” (2011) fue el eje del concierto, dejaron especio para clásicos de su discografía, como tres temas de “Todo es el momento”, Veneno-Polen, Oso Polar (dedicada a los que trabajan los viernes) o una enérgica No quiero Bailar en los bises. La voz de Zahara les acompañó en No puedo más contigo, la trompeta de Jimmy García en Formentera y el acordeón de Abraham Boba en una deliciosa La Ardilla Roja. Dos momentos muy especiales fueron la versión de Raphael (con la sala patas arriba) Como yo te amo y una delicada nana (con momento impertinente de una voz en el público) Mi niño no quiere dormir. La banda sonaba compacta, las canciones grandes con esos cambios de estructura tan particulares y las colaboraciones seguían sucediéndose. Un inspirado Guille Mostaza hacia suya Te favorece tanto estar callada y Alejandro y Noni de Lori Meyers se lucían en la eléctrica Canción Errante. Terminando los bises, bajaron a cantar La Voz con el público, sin enchufar, para terminar la canción sobre las tablas ya con el público marchándose. Un final de gira espectacular.

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